Lo que el viento se llevó (1939) (Película)

Estrenada en 1939 y dirigida oficialmente por Victor Fleming, Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind) es la cumbre del melodrama histórico y la obra maestra definitiva de la Edad de Oro de Hollywood. Producida por el obsesivo David O. Selznick, el largometraje trasladó el best-seller de Margaret Mitchell a las pantallas de cine en una escala monumental, redefiniendo el concepto de superproducción, estableciendo récords históricos de taquilla y moldeando, para bien o para mal, el imaginario cultural global sobre la Guerra Civil Estadounidense.

Análisis y Trama

Lo que el viento se llevó no es solo una película; es un monumento cinematográfico de casi cuatro horas que narra el derrumbe del Sur aristocrático de los Estados Unidos a través de la trayectoria de una de las personajes más complejas, egoístas y fascinantes de la historia del arte: Scarlett O'Hara (Vivien Leigh).

La narrativa se divide nítidamente en dos grandes partes, separadas por la devastación de la Guerra de Secesión (1861–1865). En la primera mitad, se nos presenta a Scarlett, la bella, voluntariosa y mimada heredera de la plantación de algodón Tara, en Georgia. Scarlett está obsesionada con Ashley Wilkes (Leslie Howard), un hombre refinado y melancólico que, para desesperación de ella, decide casarse con su dulce y altruista prima, Melanie Hamilton (Olivia de Havilland). Durante una barbacoa en la plantación vecina de Twelve Oaks, la rebeldía de Scarlett llama la atención de Rhett Butler (Clark Gable), un aventurero cínico, pragmático y desterrado de la buena sociedad sureña, quien prevé la inevitable derrota del Sur en la guerra inminente.

Con el inicio del conflicto, los hombres parten al combate. Para vengarse de Ashley, Scarlett se casa apresuradamente con Charles Hamilton, hermano de Melanie, quien muere de neumonía poco después del inicio de las hostilidades sin siquiera entrar en batalla. Viuda y aburrida, Scarlett se muda a Atlanta para vivir con Melanie. A medida que las fuerzas de la Unión avanzan, Atlanta es cercada y bombardeada. El clímax de esta primera parte es la huida desesperada de Scarlett y Melanie (que acaba de dar a luz) de una Atlanta en llamas, guiadas por Rhett Butler. Sin embargo, Rhett las abandona en el camino para alistarse en el ejército confederado agonizante, dejando a Scarlett con la misión de guiar al grupo de regreso a Tara.

Al llegar a su tierra natal, Scarlett encuentra un escenario de desolación absoluta: su madre falleció de fiebre tifoidea, su padre enloqueció de dolor, la plantación fue saqueada y los campos están estériles. Es en ese momento de miseria extrema que el personaje transiciona de niña mimada a superviviente implacable. Bajo el cielo crepuscular de Tara, ella hace su juramento más famoso: "¡Dios es mi testigo... nunca volveré a pasar hambre!".

La segunda parte detalla la era de la Reconstrucción. Scarlett asume las riendas de Tara con puño de hierro. Para pagar los impuestos abusivos impuestos por los vencedores del Norte, ella roba al prometido de su hermana, el comerciante Frank Kennedy, casándose con él por dinero. Se convierte en una empresaria implacable en el sector maderero, desafiando las convenciones sociales de la época y generando el desprecio de sus pares. Tras la muerte de Frank en un enfrentamiento armado derivado de una represalia del clan sureño, Scarlett, ahora viuda por segunda vez, finalmente acepta casarse con Rhett Butler, quien acumuló una inmensa fortuna durante la guerra.

El matrimonio, aunque repleto de lujo y pasión física, está destinado al fracaso debido a la obsesión continua de Scarlett por Ashley Wilkes. La dinámica de la pareja se deteriora drásticamente tras el nacimiento de su hija, Bonnie Blue Butler. La tragedia golpea a la familia cuando la pequeña Bonnie muere en un accidente de poni, rompiendo el último vínculo emocional que unía a Rhett y Scarlett. Poco después, Melanie muere debido a complicaciones de un segundo embarazo, revelando a Scarlett la dolorosa verdad: Ashley siempre amó solo a Melanie, y el sentimiento que ella albergaba por él era solo la ilusión de un deseo infantil no realizado. Scarlett se da cuenta, demasiado tarde, de que el verdadero amor de su vida siempre fue Rhett Butler.

Deconstruyendo el Desenlace: Significados Ocultos y la Redención de la Tierra

El final de Lo que el viento se llevó es ampliamente considerado uno de los más poderosos y melancólicos de la historia del cine. Al darse cuenta de que ama a Rhett, Scarlett corre a encontrarlo en su mansión en Atlanta, solo para encontrarlo haciendo las maletas para partir permanentemente. Ella implora por su perdón y amor, preguntando desesperadamente: "Si te vas, ¿qué haré? ¿A dónde iré?". La respuesta de Rhett es la frase más icónica de la cultura pop occidental: "Frankly, my dear, I don't give a damn" ("Francamente, querida, me importa un bledo").

Rhett se marcha bajo la niebla, dejando a Scarlett llorando en los escalones de la escalera. Sin embargo, en lugar de entregarse a la derrota absoluta, la esencia resiliente de Scarlett resurge. Ella escucha las voces resonando de su padre, de Ashley y de Rhett, recordándole que su fuerza siempre estuvo ligada a la tierra roja de Tara. Ella levanta la cabeza, se limpia las lágrimas y proclama sus palabras finales: "¡Después de todo, mañana será otro día!".

Este desenlace conlleva profundos significados psicológicos y temáticos:

• La Desilusión del Romanticismo Victoriano: La película entera deconstruye la fantasía romántica del Sur aristocrático. Ashley Wilkes representa ese ideal moribundo: débil, nostálgico e incapaz de adaptarse al mundo moderno. Al rechazar a Ashley y ser rechazada por Rhett, Scarlett es forzada a encarar la realidad despojada de sus fantasías juveniles.
• La Tierra como Única Constante: En una narrativa donde matrimonios, fortunas, imperios y vidas son llevados por el viento de la historia, solo la tierra (Tara) permanece. La tierra es presentada casi como una divinidad pagana, la fuente de la fuerza vital de Scarlett. El regreso a Tara no es una derrota, sino un rito de purificación y reconexión con sus raíces.
• La Ambigüedad de la Supervivencia: Scarlett sobrevivió a la guerra, al hambre y a la pobreza, pero el costo de su supervivencia fue la pérdida de su propia humanidad y de las personas que realmente la amaban. El final deja abierto si ella logrará reconquistar a Rhett o si está condenada a ser la reina solitaria de un imperio de tierra roja y recuerdos dolorosos.

Reparto y Actuaciones Destacadas

El éxito y la longevidad de la película se deben en gran parte a su reparto perfectamente seleccionado, cuyos desempeños definieron sus carreras:

• Vivien Leigh (Scarlett O'Hara): La actriz británica, hasta entonces poco conocida en Hollywood, entregó una de las actuaciones más viscerales del cine. Leigh capturó con perfección la transición de Scarlett de una joven fútil y manipuladora a una mujer endurecida por las circunstancias, equilibrando una antipatía casi magnética con una vulnerabilidad conmovedora. Su interpretación le valió el Óscar a la Mejor Actriz.
• Clark Gable (Rhett Butler): El "Rey de Hollywood" era la elección unánime del público para el papel. Gable aportó un encanto canalla, inteligencia aguda y una masculinidad magnética que sirvieron como el contrapunto perfecto para la volatilidad de Scarlett. Su vulnerabilidad en la escena en la que llora la pérdida de su hija humanizó a un personaje que podría haber sido solo un sinvergüenza cínico.
• Hattie McDaniel (Mammy): Como la gobernanta fiel de Tara, McDaniel entregó una actuación de enorme dignidad, calidez humana y autoridad moral, sirviendo muchas veces como la verdadera brújula ética de Scarlett. Su interpretación pasó a la historia al hacer de ella la primera persona negra en ser nominada y ganar un premio de la Academia (Óscar a la Mejor Actriz de Reparto).
• Olivia de Havilland (Melanie Hamilton): En contraste con la agresividad de Scarlett, de Havilland interpretó la personificación de la bondad, gracia y resiliencia silenciosa. Su Melanie no es tonta, sino una mujer de fuerza moral inquebrantable, cuya fe incondicional en Scarlett actúa como el único freno social y emocional de esta última.

Tras bambalinas y Curiosidades

La producción de Lo que el viento se llevó fue uno de los emprendimientos más caóticos, costosos y obsesivos de la historia del entretenimiento, capitaneada por el megalómano productor David O. Selznick.

• La Búsqueda de Scarlett: Selznick promovió una de las mayores campañas de casting de la historia, entrevistando a más de 1.400 mujeres y probando a decenas de actrices consagradas, incluyendo a Bette Davis, Paulette Goddard, Lana Turner y Joan Crawford. El proceso costó cerca de 100 mil dólares de la época. Vivien Leigh fue seleccionada a última hora, cuando el rodaje de la emblemática escena del incendio de Atlanta ya había comenzado (usando dobles).
• La Danza de los Directores: La película tuvo tres directores principales. George Cukor, el director original, pasó dos años en la preproducción, pero fue despedido tras pocas semanas de rodaje por conflictos creativos con Selznick y porque Clark Gable temía que Cukor (conocido como un "director de mujeres") priorizara a las actrices en detrimento de su papel. Victor Fleming fue traído para reemplazarlo, pero sufrió un colapso nervioso debido al agotamiento y la presión de Selznick. Durante la ausencia de Fleming, Sam Wood asumió la silla de dirección. Al final, Fleming recibió el crédito exclusivo.
• La Escritura del Guion: El guionista principal fue Sidney Howard, pero Selznick, insatisfecho, contrató a diversos escritores de renombre para reescribir partes del texto en secreto, incluyendo al legendario autor F. Scott Fitzgerald.
• La Censura y el "Damn": El Código de Censura Hays prohibía terminantemente el uso de profanidades en el cine, incluyendo la palabra "damn". Selznick tuvo que librar una batalla intensa y pagar una multa de 5.000 dólares para garantizar que la frase icónica de Rhett Butler permaneciera intacta en el corte final.

Polémicas, Racismo y el Mito de la "Causa Perdida"

A medida que pasaron las décadas, Lo que el viento se llevó se convirtió en uno de los objetos de estudio más divisivos y debatidos de la historia cultural estadounidense, siendo blanco de severas críticas de historiadores y activistas de los derechos civiles.

El núcleo de la polémica reside en la forma en que la película idealiza y romantiza el Sur esclavista previo a la Guerra Civil, propagando la llamada tesis histórica revisionista de la "Causa Perdida" (Lost Cause). La película presenta al Sur como una tierra idílica de caballerosidad, honor y armonía social, ignorando deliberadamente la brutalidad sistémica, la deshumanización y la violencia de la esclavitud. Los esclavizados son retratados a través de estereotipos paternalistas: son dóciles, sumisos, profundamente leales a sus "amos" y parecen felices con su condición servil.

Aunque Selznick suavizó los elementos más explícitamente racistas de la novela original de Margaret Mitchell —como la participación activa de personajes en el Ku Klux Klan durante la Reconstrucción—, la película aún perpetúa una visión caricaturesca de la población negra. El personaje Prissy (Butterfly McQueen) es retratado como histérico e ignorante, una representación que la propia actriz declaró detestar interpretar.

El ápice de esta contradicción histórica ocurrió en la propia ceremonia de los Óscar en 1940. Hattie McDaniel, a pesar de haber hecho historia al ganar el premio a la Mejor Actriz de Reparto, fue prohibida de sentarse en la mesa con sus compañeros de reparto (Vivien Leigh, Clark Gable y el productor David O. Selznick) debido a las leyes de segregación racial del hotel Ambassador, en Los Ángeles, donde se realizó la ceremonia. Fue relegada a una mesa en el fondo del salón.

En los últimos años, la película ha pasado por reevaluaciones institucionales. En 2020, en medio de las protestas globales por justicia racial, la plataforma de streaming HBO Max retiró temporalmente la película de su catálogo, reinsertándola semanas después acompañada de una introducción contextualizada de la historiadora de cine Jacqueline Stewart, quien discute las representaciones racistas y el contexto histórico del Sur esclavista.

Recepción, Taquilla y Legado Inmortal

A pesar de sus pesadas controversias ideológicas, el impacto estético, técnico y comercial de Lo que el viento se llevó es incontestable. En la ceremonia de la 12ª edición de los Óscar, la película rompió récords al recibir 13 nominaciones y ganar 10 premios (8 competitivos y 2 honorarios), incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guion Adaptado, Mejor Actriz y Mejor Actriz de Reparto.

En términos de taquilla, el largometraje permanece como el mayor fenómeno financiero de la historia del entretenimiento. Cuando se ajusta por la inflación monetaria global, la taquilla de Lo que el viento se llevó supera la marca de los 3.700 millones de dólares, superando a blockbusters modernos como Avatar y Star Wars: El despertar de la Fuerza, consolidándose como la película de mayor recaudación de todos los tiempos.

La película estableció los estándares para lo que hoy entendemos como el "épico de Hollywood": el uso revolucionario del Technicolor de tres tiras para pintar paisajes dramáticos, la banda sonora arrebatadora e ininterrumpida compuesta por Max Steiner, y la capacidad de fusionar una narrativa íntima y romántica con el telón de fondo de colosales transformaciones históricas. Se trata de un testamento de la ambición de la era de los estudios; una obra de arte imperfecta, ideológicamente problemática, pero de una grandiosidad visual y narrativa que el viento del tiempo jamás logró borrar.

Fuentes Investigadas

• American Film Institute (AFI) - afi.com
• The Academy of Motion Picture Arts and Sciences (Oscars) - oscars.org
• Box Office Mojo (Adjusted for Inflation Rankings) - boxofficemojo.com
• The Hollywood Reporter (Archives on David O. Selznick) - hollywoodreporter.com
• Encyclopædia Britannica (Gone with the Wind Analysis) - britannica.com
• Turner Classic Movies (TCM) Database - tcm.com